ИСТОРИЯ

Майолика — это керамика из цветной глины, покрытая глазурью. Яркая, блестящая, с контрастными орнаментами. Она родилась на Древнем Востоке, в Египте, Персии и Вавилоне. В средние века арабские торговцы привезли майолику на испанский остров Майорка, откуда она попала в Италию и обрела свое музыкальное имя Майолика. Здесь мастера усовершенствовали глазури, добавив в них оловка, кобальт, медь и марганец, благодаря чему появились насыщенные синие, зеленые и желтые тона.
К 15 веку итальянская майолика стала символом возрождения, ее украшали мифологические сцены и портреты. В Россию майолика пришла в конце 17 века вместе с реформами Петра I. Появились первые фабрики в Москве, Ярославле, Новгороде. Здесь искусство получила новое дыхание. Белая глазурь ярко подчеркивала краски, а изделия стали не только утилитарными, но и декоративными.
Настоящий рассвет ярославской майолики пришелся на 17−18 века. Богатые залежи красной глины и древней кончарной традиции сделали регион одним из центров русской керамики. Ярославские мастера создавали яркие изразцы для храмов и купеческих домов с птицами, растениями, библейскими сценами. Так появился ярославский стиль — насыщенные цвета, наивная, но выразительная роспись, отражающая душу народа.
В XX веке промысел пережил тяжелые времена. После революции и индустриализации ручное ремесло почти исчезло, были утрачены старинные рецепты, глазури и технологии обжига. Возрождение началось лишь в 1990-е годы, благодаря художнице и искусствоведу Наталье Павловой. Она исследовала музейные коллекции, расшифровывала старинные приемы и вручную восстанавливала утраченные технологии.
В 1992 году Павлова организовала мастерскую майолики Павлова и Шепелева, положив начало новому этапу Ярославской школы. Под ее руководством и при поддержке Евгения Шепелева, ремесло превратилось в современное производства, которая не только сохраняла традиции, но и делала майолику востребованной в наше время.
Сегодня ярославская майолика вновь занимает достойное место в культуре жизни. В городе работают мастерские, создаются и традиционные изразцы, и современные авторские работы. Изделия украшают интерьеры, становятся сувенирами и символом связи времен. История ярославской майолики это путь длиной века, от древних глиняных сосудов к израстам храмов, от забвения к возрождению.
Это история преданности, таланта и любви к ремеслу, которая соединяет прошлое и будущее Ярославля.

ТЕХНОЛОГИЯ

Сначала создается миниатюра из пластилина, тщательно прорабатывая каждую деталь будущей скульптуры. Когда миниатюра готова, мастера замешивают особую смесь из воды и гипса. Ее аккуратно заливают в форму, чтобы зафиксировать изгиб и элемент. После застывания гипс принимает точную форму. Оригинала. Теперь по нему можно создавать копии.
Далее делают силиконовые формы, которые заменяют пластилиновый оригинал. Их передает форматорский цех. Именно здесь начинается настоящее производство майолики. Формовка. Формы заливаются шликером, жидкой глиной, приготовленной по особому рецепту. Шликер получают из красной глины. Затем ее смешивают с водой и необходимыми добавками. Долго вымешивают в миксере и оставляют на сутки, чтобы глина Когда шликер заливают в форму, гипс начинает впитывать влагу и частицы глины оседают на стенках, образуя прочную оболочку.
Через несколько минут излишки шликера сливают, а форма оставляет сушиться. После подсыхания глиняную заготовку аккуратно извлекают, она мягкая, словно пластилин. Монтаж и сушка. Сырые скульптуры передают в монтажный цех. Здесь лепщики соединяют отдельные детали, зачищают швы костяными палочками и оставляют изделие сушиться естественным способом.
Первый обжиг. После сушки скульптуры отправляют в печь. При температуре свыше тысячи градусов мягкая глина превращается в прочную керамику. После остывания каждое изделие тщательно осматривают и передают дальше на глазуровку. Глазуровка и Глазуровщик вручную окунает керамическую миниатюру в белую эмаль, по составу она напоминает стекло.
После этого изделие передают художникам по росписи. Роспись выполняется по сырой эмали, исключительно вручную и по образцу. Каждая фигурка для росписи использует специальные краски. На этом этапе изделие нельзя трогать, краска осыпается от малейшего прикосновения.
Перед вторым обжигом цвета выглядят блекло и матово, но после обжига происходит настоящее чудо! Краски становятся яркими, а поверхность приобретает стеклянный глянцевый блеск. Золочение и финальный монтаж. Некоторые изделия проходят дополнительный этап золочения. Здесь используется поталь, смесь напоминающая жидкое золото.
После обжига она превращается в блестящее золотистое покрытие, схожее с усальным золотом. Поталь изготавливается из плава меди, цинка и алюминия и не содержит драгоценных металлов. Завершающий этап — монтаж мелких деталей. Мастера крепят петли, соединяют подвижные эмали, проверяют качество сборки. Теперь вы знаете все о технологии Майолика.

ИСТОРИЯ

Хохлома — известный во всем мире народный художественный промысел России, который появился в 17 веке на Нижегородской земле и получил свое название в честь торгового села Хохлома. А самым крупным центром его развития с давних пор остается расположившийся рядом город Семенов. Он стал так называться с 1779 года по указу Екатерины II и был воздвигнут по клану, согласно которому все улицы города, словно лучи, сходились в центральной площади, как в Париже и Вене.
По одной версии, уникальная роспись возникла, когда в Нижегородскую область бежали от строгих реформ патриарха Никона старообрядцы, которые знали секреты получения золотой краски, позаимствованные из иконописи. Существует даже печальная легенда. Якобы один из бежавших старообрядцев умел делать чаши под золото небывалой красоты.
Из зависти на него донесли царским солдатам, И тогда мастер сжёг дотла свой дом, но прежде передал местным жителям все свои секреты создания золотой хохломы. По другой версии, развитию промысла способствовало то, что у местных крестьян из-за плохого качества земли просто не было другой возможности прокормиться, кроме как лошкарным делом. Поначалу основными заказчиками посуды были монастыри — Троицы Сергиев и Макарьевский Желтоводский.
Но со временем производство местных рукодельцев достигло небывалых размеров благодаря близости к реке Волге — главному торговому пути Нижегородской земли. Так только в 1870 году из Семенова было отправлено 35 миллионов ложек по всему миру. В 1916 году в Семенове открылась школа художественной обработки дерева во главе с Георгием Петровичем Матвеевым.
А уже в 1925 году ученики школы получили золотую медаль на Парижской выставке декоративных искусств. Даже во времена Великой Отечественной войны школа не прекращала свою работу и производила ложки, лыжи, саперные лопатки и спички для солдат. Со временем школа выросла в фабрику «Хохломская роспись» и работает уже более ста лет.
И сегодня хохломские мастера продолжают творить невероятные шедевры. Не только посуду, но и мебель, всевозможные сувениры, ювелирные изделия для модных показов и корона участниц конкурсов красоты. Ежегодно международное фестивальное движение «Золотая хохлома» собирает в Семенове сотни туристов, а в 2014 году городу заслуженно присвоили статус «Столицы золотой хохломы».

ТЕХНОЛОГИЯ

Как создается шедевр русско-народного промысла хохлома? Все начинается с заготовки дерева, а именно липы. Оно идеально подходит для резьбы из-за своей мягкости и податливости. Хотя в древние времена мастера использовали также березу и осину. Очищенные от коры стволы высушивают на открытом воздухе от года до двух лет.
Из бревен делают болванки, грубые деревянные заготовки. Из них на токарных станках вытачиваются деревянные изделия или белье, а из деревянных Чурбачков вырезаются ложки. Из-за лёгкости этого процесса в старину у ложкарей появилось даже выражение «бить баклушей». Оно стало синонимом бездельничества. Так расписные хохломские ложки с XVIII века остаются символом Нижегородской области.
Деревянный полуфабрикат грунтуют жидким глиняным раствором и покрывают в несколько слоёв с помощью специальных тампонов из овечьей или телячьей шкуры олифой, льняным маслом, которое варят здесь же на предприятии и отправляют на сушку. Такую процедуру повторяют три раза, и последний слой сушат не до конца, чтобы лучше прилипал алюминиевый порошок.
Следующий этап — лужение. Это натирание посуды алюминиевым порошком, после чего она становится серебряной. Каждый слой закрепляется обжигом в электропечи при 120 градусах, поэтому этой посудой можно пользоваться. До получения фирменного золотого цвета остается один шаг. Роспись может быть верховой, когда рисунок цветными красками, традиционно чёрный и красный, наносится поверх золотого покрытия.
Или фоновый, когда краской наносится фон, а рисунок остаётся золотым. Обычно изображаются цветы, травы, ягоды, реже птицы. Используют только натуральные красители — сажу, охру, киноварь, крон. Рецептура красок передаётся из поколения в поколение.
Рисунок наносится кистями из беличьих хвостов. Художники вяжут их сами, за каждым закрепляется своя авторская кисть. Самое интересное — это виды орнаментов. За ними со временем закрепились уникальные обозначения. Так геометрическая фигура — квадрат, ромб и треугольник, украшенная ягодами и цветами, расположенная обычно внутри чашки или блюда, называется пряник.
Узор островинок разного размера и формы называется травка. Цветы и листья на золотом фоне в виде завитков из-за своей кудрявости называют кудрина. Лаком изделия покрывают в несколько слоев и отправляют в печь на 3−4 часа. После этого на свет появляется волшебная золотая хохлома.

ИСТОРИЯ

Искусство Жостовского подноса — уникальное достижение русских мастеров. Уже не одно столетие техника написания красочных живых цветов на чёрном фоне металлического блюда находит поклонников по всему миру. История Жостовского подноса началась в 1825 году в подмосковных деревнях Осташково, Хлебниково, Троицкое и, конечно, Жостово.
Весь секрет в том, что жестовский промысел появился при слиянии двух ремесел. До этого ковка железных подносов и лакированная роспись изделий из дерева и папье-маше, сахарниц, шкатулок и портсигаров существовали раздельно. Эта гениальная идея пришла в голову бывшим крепостным, братьям Вишниковым. Они научились производить лак по несложной технологии, используя недорогое сырье.
По качеству он не уступал товару китайских и японских мастеров. В те времена в России случился небывалый всплеск популярности чая. Чтобы подчивать гостей вареньем, баранками и медом к чаю из традиционного русского самовара, нужен был поднос. Так у жестовского подноса появилось два назначения — декоративное и утилитарное, исключительно для бытовых целей.
За два столетия было придумано более 150 форм подноса, идеальных в своих пропорциях. Основным мотивом жостовского промысла всегда оставался цветочный букет. Ощущение стопроцентной реалистичности цветов сочетается с изобилием декоративной композиции, которую художники перенесли из кистьевой росписи. В том виде, в котором она существует сейчас, Жостовская фабрика декоративной росписи стала работать с 1960 года.
С тех пор предприятие процветает с каждым днём. Художники ежедневно придумывают новые узоры и формы изделий. Их энтузиазм и талант помогают создавать различные товары с жостовским орнаментом. Керамическую посуду, ёлочные игрушки, лазы. Каждому фабричному подносу присваивается номер и выписывается специальный сертификат. Кроме того, для особых ценителей существуют дизайнерские лимитированные линии подносов.
Так дизайнер Сергей Сысоев выпустил свою коллекцию подносов в технике Color Pop Effect. По его задумке, лишь один яркий цветок распускается на фоне монохромного букета. Самые искусные и ценные подносы хранятся в Эрмитаже и Русском музее, а в самом Жостово можно посетить Музей подносов, где помимо интересной экскурсии об истории промысла и его современном развитии, посетителей любых возрастов ждет увлекательный мастер-класс по росписи подноса.
Красные, синие, жёлтые, зелёные цветы на чёрном фоне с ажурным золотым орнаментом по краям узнаваемые во всем мире. В Европе жостовские подносы в прямом смысле слова на расхват. Однажды во время всемирной выставки в Брюсселе даже пришлось посылать за новыми партиями на фабрику — так быстро их разобрали.
Подносы хранятся и в коллекциях видных политических деятелей, например, у Елизаветы II. Вдохновляйтесь самой природой и создавайте. Уникальные потносы с жестовской расписью.


ТЕХНОЛОГИЯ

Как не бывает в мире двух одинаковых снежинок, так и в случае с жестовским подносом. Найти два одинаковых невозможно. Каждый будет особенным, со своим уникальным орнаментом и запечатленной фантазией художника. Так приоткроем же тайны создания этого произведения искусства, русско-народного промысла.
Из больших металлических листов вырезают заготовки, из которых потом штампуют формы подноса разных размеров. Теперь заготовку нужно отшлифовать, загрунтовать и покрыть черной эмалью в два слоя. Каждый слой необходимо просушить, а помимо черной краски эмали можно использовать зеленую, синюю и красную.
Перед самой интересной частью работы — росписью — нужно подготовиться и запомнить несколько простых правил. Использовать можно только беличьи кисти. Причем каждый лазок выполняется отдельной кистью определенного размера и формы. Краску нужно разбавлять илениным маслом. Брать чужие кисти не рекомендуется, так как они подбираются индивидуально, под руку художника.
Жостовская роспись исторически выполняется в несколько слоев. Первый слой — замалевка. Это когда в краску добавляют белый цвет и распределяют по подносу пятна на месте будущих цветов и листьев, создавая композицию букета. Важно, чтобы они сочетались с формой подноса. И этот слой необходимо просушить в печи.
Теперь нужно заняться выправкой. Для начала распределить по рисунку тени более темными тонами, чтобы картинка стала казаться объемной. Этот слой называется тенежка. Третий слой — прокладка. Это основа рисунка. Она выполняется непрозрачной краской. В процессе нанесения этого слоя крупные детали приобретают свои четкие очертания.
Четвертый слой — бликовка. Это выделение самых светлых элементов в рисунке белой краской, после чего все объекты на подносе начинают казаться выпуклыми, объемными. Пятый слой — чертежка. Это тщательное вырисовывание деталей лепестка и прожилок листочков. А в чашечке цветка рисуются тычинки и семена. Этот этап так и называется — посадка семенцов.
Казалось бы, всё готово, но есть и шестой слой — привязка. Это тонкая, почти невесомая травка по краям букета, которая нужна, чтобы соединить чёрный фон и яркий букет в единую картину. В финале художник ставит свою подпись и отправляет поднос на сушку, после чего изделие попадает в руки к мастеру по орнаменту.
Золотой краской он кропотливо оформляет бортик подноса ажурным рисунком. После поднос покрывается тремя слоями лака, шлифуется и полируется специальной пастой из мела и вазелина. Кроме этого, на каждом подносе есть клеймо. Эта традиция позволяет отличить подделку от настоящего жестовского подноса.
За всю историю промысла накопилось более 150 форм жестовского подноса. Они бывают всех размеров и конфигураций, от самых больших до самых маленьких. Жестовский поднос — это гордость России. Уникальная роспись, красива и интересна в исполнении.

ИСТОРИЯ

Финифть или художественная эмаль родилась тысячи лет назад, на Востоке, когда мастера случайно открыли, что расплавленное стекло может стать яркой, прочной краской. На Русь финифт пришла из Византии в X веке и называлась огненным письмом.
Первое упоминание о ней в ипатьевской летописи 1175 года, где говорится, что церковь украшали златом и фенифтом.
Финифтью украшали церковные предметы — иконы, оклады, книги.
С тех пор сияющая эмаль, синяя, белая, изумрудная, стала символом русской красоты и мастерства. Изначально фенифти украшали церковные предметы — иконы, оклады, книги. Эмаль изготавливалась из стекловидного порошка с добавлением солей металлов, меди, ковальда, золота, что придавало краскам насыщенность и блеск.
Ростов стал местом, где иконописцы и ювелиры объединили ремесло и живопись.
Но самый настоящий прорыв произошел в 17 веке, когда появились полупрозрачные краски, позволившие писать миниатюры прямо на эмале. Именно тогда Ростов-Великий стал колыбелью русской фенифти. В конце 17-го — начале 18-го века здесь сложился уникальный промысел. Ростов, будучи духовным центром с множеством монастырей, стал местом, где иконописцы и ювелиры объединили ремесло и живопись.
Паломники покупали иконки и медальоны как символ благословения. В 18−19 веках наступает Золотой век ростовской фенифти. К религиозным сюжетам добавляются пейзажи, портреты, цветочные орнаменты. Краски многократно обжигаются при температуре до 800 градусов, благодаря чему миниатюры сияют, словно само стекло, наполненное светом.
Финифть украшают ювелирные украшения. Табакерки, шкатулки, каждая вещь становится произведением искусства. К концу XIX века появляется и светская тематика. Модные портреты, городские виды, копии картин Рафаэля и Воснецова. Однако в 20 веке промысел переживает кризис. Массовое производство вытесняет ручную работу, а революция почти уничтожает традицию.
Но в 1918 году мастера объединяется в «Артель Возрождения», что спасает не нефть от исчезновения. В советские годы художники создают эмали на новые темы героические, трудовые, портретные. В 1960-е Артель превращается в фабрику Ростовская Финифть, где начинает второе дыхание промыслов. Мастера совершенствуют технику, используют скан. Тончайшие узоры из проволоки, которые обрамляют миниатюры.
Работы ростовцев получают мировое признание. Золотые медали на выставках в Брюсселе и Монреале. Сегодня Ростовская Финифть живет и развивается. В городе работают мастерские и фабрика, где изделия создаются вручную, от икон и кулонов до современных ювелирных коллекций. Многие мастера — потомственные мольеры, продолжающие дело своих предков. Они соединяют древние приемы с современными материалами, сохраняют ту самую глубину цвета и прозрачный блеск, который отличает финифть уже почти тысячу лет.
Финифть стала визитной карточкой Ростова-Великого. Её произведения хранятся в Эрмитаже,. Историческом музее, в Оружейной палате и музеях по всему миру. Это искусство, словно огонь заключенный в стекле. Живое, сияющее, вечное.

ТЕХНОЛОГИЯ
Фенифть в современном понимании это миниатюрная живопись по эмали, термостойкими надглазурными красками, оформленная ювелирной оправой и другими материалами в зависимости от предназначения изготовляемого предмета.
Процесс изготовления фенифти. Мастером вырубается из тонкого медного листа основа по размеру будущей живописной пластинки и придается методам ковки вытянутая форма, чтобы пластина не деформировалась.
Затем она покрывается размолотой эмалью. После этого следует обжиг в эмальерной печи при заданных режимах 850 градусов 900 градусов. Сочетание опыта эмальеров прошлого с современными технологиями нанесения эмалей и применения оригинальных печей для обжига позволяет создать блестящую, играющую огненными бликами эмальерную пластину.
Мастер на подготовленную таким образом пластинку наносит рисунок и начинает живопись. Первый слой красок кладется сабельно широкими кистями и называется малевкой. Затем следует обжиг в муфельной печи при определенной температуре. Эмаль при этом снова расплавляется, а термостойкие краски, набрав в жару свой цвет, накрепко соединяются с эмалью, как бы утоптают в ней.
Потом вторая прописка и снова обжиг. И так несколько раз. В муфельной печи многие краски меняют свой цвет, и художник должен предугадать, почувствовать, какими они будут после обжига. Финифть обретает свои характерные качества. Особую прозрачность, лучезарность и звучность чистых красок, свойственным эмали глубину многослойной живописи, как бы светящейся изнутри.
Сложность технологии письма приводит художника к варьированию утвержденного образца, что придает неповторимости каждого изображения даже при авторском исполнении. Так рождается образец ручной росписи.

ИСТОРИЯ

Название народного промысла «Гжель» произошло от слова «жгель», «жечь» или «обжигать глину». Белой глины было много в гончарном крае Гжель, в который входило около 30 деревень. Промысел начал своё развитие с 1328 года. Первые упоминания о нём найдены в летописях времён Ивана Калиты и в завещаниях Ивана Грозного. Во времена правления Алексея Михайловича Гжельская волость снабжала посудой всю аптечную индустрию.
С тех пор и больше никогда на её территории не существовало крепостного права. Таким уникальным и знаковым местом гжель стала благодаря глине небывалого белого цвета. Михаил Васильевич Ломоносов. «Едва ли есть земля самая чистая и без примесей где на свете, для фарфора употребляемая, какова у нас гжельская, нигде не видел я белизною превосходней».
При этом гжель никогда не была предметом роскоши. Ей пользовались в основном в трактирах, на постоялых дворах и дома. Не изменилось это и после того, как русским ремесленникам удалось разработать формулу фарфора, такому же качественному, как в Европе и Китае. В XVIII веке из гжельской глины Виноградов изготовил первое русское фарфоровое изделие — ставок, а крестьянин Павел Куличков разведал рецепт фарфора на заводе «Карло-Отто» в Москве и организовал своё производство.
Со временем открылось около сотни предприятий — фабрики братьев Аксёновых, Фортальновых, Алёхиных, Акулиных, Дунашовых, Алёшина, Кузнецова. Правда, после революции все они исчезли и появились снова только после войны. Возрождение «Гжели» произошло благодаря стараниям подвижников Салтыкова и Бессарабовой.
Их дело продолжили художники классики гжельского стиля — Дунашова, Азарова, Акулова и другие. Гжель — это единственный пример освоения четырех видов керамики за 50 с небольшим лет, а именно майолики, полуфаянса, фаянса и фарфора. Как это удалось нашим умельцам? Дело в том, что при Петре I в Россию из Голландии пришла мода на сине-белый дельфтский фаянс.
Русские мастера сразу же освоили эту технику, немного изменив содержание. Кстати, в свое время сами голландцы поступили похожим образом — позаимствовали сине-белую гамму у китайцев. В гжельском фарфоре много форм. Это и посуда, и туалетные приборы, и фигурки, и подсвечники. Каждый мастер стремится создать вещь с интересными деталями. Так в гжеле появились сосуды для кваса, браги, пива, получившие название Квасников и Кумганов.
Сегодня на фарфоровом заводе в Гжели можно самостоятельно сделать фарфоровые изделия, а в Гжельском музее ознакомиться с полной историей промысла. Сине-белая роспись — исконно русское сочетание синего неба и белых церквей. Фирменный кистевой мазок с тенями, благодаря большому количеству оттенков, помогает художникам создавать свой уникальный стиль.
В наши дни с гжельским узором можно найти смартфоны, ноутбуки, миксеры и даже фигурные коньки. Легендарные модные дома, такие как Валентина, Дольче и Габана, неоднократно выпускали коллекции с росписью. Гжель не думает сбавлять обороты. Она уверенно продолжает завоевывать мир моды и искусства.

ТЕХНОЛОГИЯ
Гжель русский народный промысел вид русской народной росписи также один из традиционных российских центров производства керамики детально покажем, как из двух основных компонентов белой глины и кобальтовой краски получаются настоящие шедевры русских умельцев. Первым делом художник выполняет эскиз рисунка на бумаге простым карандашом.
Затем изготавливается модель и гипсовая форма, из которой будет отливаться будущее кжельское изделие. Если оно имеет много пристав, то каждая деталь отливается и высушивается автономно. Например, фигурные носики, крышки и ручки чайников приклеиваются к основанию отдельно с помощью специального кладочного раствора «Жижиль». В наши дни кжельская посуда производится из фарфоровой, которую мастера называют «шликер».
В её состав входят кварцевый песок, коалин и полевой шпат. Все материалы смешиваются в специальной мельнице больше восьми часов. Полученную массу, консистенции густых сливок заливают в гипсовые формы. Гипс, имея пористую структуру, впитывает влагу из шликера и тем самым набирает толщину будущего изделия, остальное выливается. Изделия подсушиваются и выбиваются из формы.
Освободив заготовку из формы, приступают к этапу оправки. Затем к изделиям приставляются, приклеиваются все приставы. Изделие зачищают, удаляют все швы и неровности. После этого его отправляют на первый предварительный обжиг. Мастера называют его утильным. При температуре около 900 градусов будущее изделие приобретает необходимую прочность.
Кроме этого, иногда перед росписью посуду, фигурки и другие предметы отправляют в фуксиновый раствор, чтобы окрасить их в розовый цвет и исключить в дальнейшем в производстве брак, так как он проявляет все дефекты, неровности и трещины. Окись гобальта — керамическая краска. Изначально она чёрная, как сажа, но становится ярко-синий после обжига. Казалось бы, что может сделать художник, имея в арсенале всего один цвет? Это не совсем так.
Ведь сегодня в «Гжеле» насчитывается более 20 оттенков синего и голубого. Традиционной гжельской росписью являются пышные букеты разнообразных цветов — роз, тюльпанов, незабудок, птицы и звери, а также сюжетная роспись, зарисовки из бытовой деревенской жизни или значимые исторические события, мифы, сказки и легенды.
Гжель — это сине-белая роспись, выполненная мягкими объемными мазками с плавным переходом от темно-синего к белому, с подчеркивающими свою декоративность синими графическими элементами. Поэтому при росписи важно оставлять в композиции больше воздуха. Помнить, что узор также важен, как и белоснежный фон. Нельзя допускать, чтобы элементы заходили друг на друга и мешали восприятию зрителей.
Кроме соотношения синего и белого, в гжеле особое место занимает техника мазка. В каждом изделии вы не найдете два одинаковых мазка. Новый будет непременно отличаться от предыдущего. Мастера специально регулируют количество набираемой краски и раскладывают ее с разным нажимом. Чем больше краски, тем темнее мазок. Белячью кисть художники обычно держат лопаткой.
Исключение — прорисовка мелких деталей — завитков, усиков, точечек, травки и узоров, сетки, шашечек. После росписи изделие полностью покрывают глазурью и снова отправляют в печь, теперь уже на финальный или «пылитой» обжиг при температуре 1300 градусов. Наконец, из печи достают гжельскую посуду, которую знают и любят по всему миру.